Al Teatro delle Passioni, nella nuova Sala Grande, arriva dal 13 al 19 novembre (martedì, mercoledì e venerdì alle 20,30, giovedì e sabato alle 19 e domenica alle 17) “Il delirio del particolare”, per la regia di Giorgio Sangati e il testo di Vitaliano Trevisan, che vede protagonisti Maria Paiato, Carlo Valli e Alessandro Mor. Si tratta di una riflessione sul rapporto tra arte, memoria e fine, costruita intorno alla figura di Carlo Scarpa, tra i più grandi maestri dell’architettura del Novecento. Tra soliloqui e dialoghi, il passato riaffiora in uno spazio sospeso dove vita e architettura si intrecciano fino a confondersi. Abbiamo fatto un interessante chiacchierata con l’attrice Maria Paiato e il regista Giorgio Sangati.
Maria, partiamo dal titolo “Il delirio del particolare”. Cosa significa?
(Maria Paiato) – Diciamo che è l’attitudine, la propensione che aveva questo importante architetto che viene assoldato da questa famiglia per il progetto e la costruzione di una villa. L’architetto in questione, anche se non lo si nomina mai, sarebbe Carlo Scarpa, che aveva proprio questo modo particolare di procedere nell’immaginare e nell’ideare i suoi lavori, i suoi progetti. Con dettagli di cui magari così a colpo d’occhio nemmeno ti accorgi, ma lui giocava proprio su questo aspetto e anche sulla qualità importante dei materiali. La parola delirio ci fa poi entrare anche in una mente. Non che abbia niente di delirante, però si parla ad un certo punto anche di ossessione, di questo architetto che sacrificava tutto per la sua vocazione. Quindi c’è qualche cosa non solo di eccentrico, ma anche proprio di delirante, che va fuori dall’approccio che hanno le persone normali con le cose. In lui c’era qualche cosa di più.
L’architetto, come diceva, non si nomina mai, ma è presente praticamente sempre. La protagonista, se ho capito bene, è quella che era stata sua moglie…
(Maria Paiato) – Sì, è un’anziana signora che torna in questa casa nella quale lei ha vissuto negli anni 70. La casa poi è stata chiusa, lei è rimasta vedova ed è andata a vivere da un’altra parte. Torna dopo tanto tempo perché c’è l’ipotesi di venderla e perché c’è un incontro, che avverrà nella seconda parte dello spettacolo, con uno studioso, un architetto molto importante, che è stato allievo di Carlo Scarpa – che ovviamente nella storia non viene nominato – e che vorrebbe in qualche modo recuperare i disegni del progetto della villa in questione. E quindi, insomma, è la signora che arriva, che parla. Lo stato della signora cambia durante lo spettacolo. Entra un po’ burbera, arrabbiata, con un preventivo in mano e la fattura per la costruzione di questa casa, parla di soldi. Poi tutto è coperto dai teli, come si fa sempre, e mano a mano che si scoprono le cose e la casa respira, vengono a galla i ricordi di un’epoca in cui lei è stata giovane. Tutti noi siamo legati ai nostri ricordi, tutto era più bello, più possibile, e anche per lei è così. Un viaggio all’indietro in un’epoca in cui lei, attraverso questo salto temporale, riesce a capire tante cose che all’epoca non aveva capito.
La passione, per esempio, di questo architetto per qualche cosa che riconduce sempre un po’ alla morte. Una morte però, secondo me, più nel senso orientale del termine, non nel senso cattolico. Una morte che è un ciclo che si chiude perché se ne debba aprire un altro.
Quindi è lei la protagonista, è lei che parla, parla, parla. C’è questo badante Cecchini che le gira intorno e che fa come una danza, e poi arriva il professor Bernardi e quindi sono con due degnissimi compagni di scena: Carlo Valli che fa il professor Bernardi e Alessandro Mor che fa Cecchini.
La scenografia sembra richiamare gli appunti di un architetto, questa cosa è voluta?
(Giorgio Sangati) – Si certo, l’idea è proprio quella di essere dentro uno di questi disegni preparatori, di questi progetti, perché Scarpa era famoso proprio per fare tantissime varianti possibili, cioè un’immaginazione, un’idea della possibilità di quello che si poteva fare. Che poi forse, secondo Trevisan, è anche il segreto per fare qualcosa che resti nel tempo, cioè il progetto come ossessione sì, ma anche come unica possibilità per far sì che una cosa rimanga nel tempo. Quindi non è un caso che, a distanza di ormai quasi 50 anni, le opere di Scarpa ancora sono studiate, ancora sono visitate, vengono da tutto il mondo a vederle, e secondo me è un po’ anche quello che Vitaliano Trevisan pensava della sua scrittura. Cioè che una scrittura studiata, una scrittura curata, pensata, che può restare nel tempo e non essere consumata come tantissime cose di oggi.
L’architetto Scarpa diventa anche protagonista durante lo spettacolo, cioè c’è qualche accenno?
(Maria Paiato) – Si, nella parte finale c’è una cosa molto bella, molto poetica, che non sveleremo, però c’è una frase che dice la signora a un certo punto, che diceva poi l’architetto Scarpa: l’architettura è musica congelata, comunque qualche cosa che attiene alla poesia, qualcosa che non è solo mattoni e righelli, ma è musica congelata ed è anche la poesia. E accade un fatto, alla fine, in cui si capisce il senso di questa frase ed è molto bello, molto delicato.
Il suo personaggio a un certo punto rievoca anche un passato nel teatro. Come ha lavorato per costruirlo? Si è rivista in lei?
(Maria Paiato) – E’ un personaggio abbastanza avanti con gli anni. E quando fai una cosa che è molto, molto identica a te, che è nella tua età, è quasi più difficile. Qui, avendo uno scarto di età in avanti, faccio qualche cosa che, volendo farmi una critica cattiva, uno potrebbe dire che sono un carattere, no? Però è un’anziana signora, come ne ho viste tante, io ti potrei dire delle zie che mi ispirano in continuazione quando sono in scena, mia zia Tives e altre, mia mamma, mio padre, eccetera. Io attingo da questa mia provenienza, anche molto di paese, di provincia.
E poi ci sono due o tre battute dove lei dice – citando il Macbeth – che avrebbe voluto fare teatro, ma sul palcoscenico era anche tranquilla. Cosa su cui avrei qualcosa da ridire, perché ogni tanto non si è proprio tranquilli. Ma dice anche che, il prima e il dopo erano un inferno, quando ti vengono a bussare nel camerino, devi andare in scena, la gente, li senti vociare da dietro, le quinte. E si dice: “ma di che cosa dovremmo avere paura”? Tante volte anch’io me lo dico proprio prima di entrare in scena, “Ma di che cosa devo avere paura”? C’è gente come me, se mi dimentico. Perché questa è la paura vera degli attori, non quella di sbagliare. Quindi c’è questa ossessione. Lo scrittore ha proprio colto le paure vere di chi fa l’attore. In questo caso poi l’anziana signora dice di se stessa che non era neanche una brava attrice. Il teatro non ha perso niente non avendo lei.
Dicevate che si parla degli anni settanta, ci sono dei particolari che li fanno rievocare questi anni, anche senza parlarne?
(Giorgio Sangati) – Dal punto di vista musicale no, però, ad esempio, un’altra delle opere a cui si allude, il cimitero Brion, quello che adesso è diventato più famoso con il film “Le città di pianura”, quello che vanno a visitare i protagonisti di quel film, è legato alla Brionvega, che era la fabbrica da cui, in qualche modo, è nato il progetto di questa specie di mausoleo. Allora in scena a un certo punto si vede spuntare una Brionvega, però non c’è mai niente di sottolineato.
Più che altro gli anni ’70 si avvertono come il ricordo, la nostalgia di un tempo in cui in qualche modo la vita, l’arte, sembravano avere un respiro più ampio, che oggi si è cancellato.
Come ha lavorato sul testo di Trevisan, come lo descriverebbe dal punto di vista linguistico, della scrittura e come è riuscito a renderlo?
(Giorgio Sangati) – Il testo di Trevisan ha la caratteristica di essere scritto in versi. Se vedete l’opera stampata, ha come una ritmica, che è molto, molto vincolante. Per affrontare un testo così preciso il lavoro con un interprete come Maria è l’ideale, perché bisogna avere una tale capacità di stare dentro le parole, di muoversi, di dargli un’emozione. E quindi il lavoro principalmente è stato sulla lettura del testo, con un’analisi puntuale, e poi cercare di fare in modo che questa interpretazione fosse fatta propria da Maria, che le desse carne in qualche modo.
E lo stesso vale, ovviamente, anche per gli altri personaggi. C’è bisogno di rendere questa ritmica fluida, non secca, perché altrimenti la recitazione si riduce a delle cose strambe. Invece è proprio un cuore, un’anima che parla.
Maria, lei a Modena ha già recitato? Come si è trovata?
(Maria Paiato) – Venendo da Ferrara, a Modena non mi sento così spaesata e lontana. La gente che parla la sento molto familiare. Ci sono stata allo Storchi due anni fa con “Boston Marriage”, è stato veramente un momento molto bello.
Modena è una città meravigliosa, c’è la misura per vivere bene. Non la vivo da cittadina, la vivo come una che viene, ci rimane quattro giorni e poi va via, però proprio per questo quando vengo magari mi giro il centro, vado a vedere le cose, insomma, è una città dove si vive bene. Io, che ormai ho 65 anni compiuti, ho proprio bisogno di posti dove si vive bene. Ho abitato a Roma per tanto tempo, non che a Roma non si viva bene, ma è una città molto complicata. Io sono abituata di più a questo tipo di dimensione, Ferrara, Modena, queste città che hanno tutto a livello di servizi, ma sono anche a misura d’uomo.
(di Giovanni Botti)
